El Arcángel San Rafael es el Custodio y protector de Córdoba, no su patrón oficial. Su figura es muy querida desde que se apareció en el siglo XVI para librar a la ciudad de una grave epidemia.

Esta obra firmada corresponde a Ginés Liébana, pintor y escritor nacido en Torredonjimeno, Jaén, en1921, miembro del Grupo Cántico de Córdoba.  Desde los cuatro años, pasó su infancia y adolescencia en Córdoba. Asistió a la Escuela de Artes y Oficios. 1942 presenta su primera exposición de pintura.  Falleció en Madrid el día 31 de diciembre de 2022.

Ilustrador de revistas, dibujante, escritor, poeta y sobre todo pintor; viajó por todo el mundo: París, Río de Janeiro, Suiza, Lisboa, Venecia. En los sesenta se asentó en Madrid, donde permaneció dedicado plenamente a su obra. Su pintura, elaborada, miniaturista, mágica y simbólica, refleja toda su sensibilidad andaluza, intensa, ritual y sensual.

Tiene tres temas preferentes: los dibujos de ángeles, retratos y cuadros oníricos y fantásticos.

Trabajo como dibujante en el «El Español» . Obras suyas se pueden ver en el Ayuntamiento de Córdoba, en el Museo de Bellas Artes de la misma ciudad.

Entre otros galardones y reconocimientos, cuenta en su haber con: La Fiambrera de Plata (1999). Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (2005). Cordobés de la cultura del mismo año. Reconocimiento de la Asociación Arte, Arqueología e Historia con el premio Juan Bernier en la modalidad de arte (2008). En marzo de 2010, una plataforma cultural, reivindica la concesión de la Medalla de Oro de la Ciudad. Capataz de Honor de la LV Fiesta de la Vendimia de Montilla-Moriles (2010). Este mismo año fue nombrado Hijo Adoptivo de Córdoba. El 28 de febrero de 2011 fue galardonado con la medalla de Andalucía. Con Lucía Bosé, Carlos Villarrubia y Rosa Perales fundó a principios de los noventa el grupo de creación La empresa invisible, que generaría múltiples presentaciones y catálogos.

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Marco Español en madera tallada, policromada y dorada, original de época. Ensamblado a ranura y lengüeta oculta.

Formato rectangular con perfil exvasado, molduras talladas siguiendo el gusto barroco en el uso de hojas de acanto, volutas y veneras, colocadas en una composición simétrica en las esquinas y centro. Otra característica de estos marcos es la estructura regular, clásica y equilibrada que nunca llega a ser sobrepasada por los elementos decorativos. La decoración rica refleja el gusto por la ostentación y grandiosidad dando volumen a la talla, que enriquecen con los dorados; dando mayor opulencia con molduras que sobresalen y crean efectos de relieve dando profundidad  y brillo a la obra que enmarca.

Este modelo de marco barroco español evoluciona a partir de la cassetta renacentista Italiana, se diferencia por su mayor anchura y la profusión de elementos decorativos tridimensionales, con perfiles exvasados que proyectan la imagen hacia adelante.

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En una de las fotos se muestra un cobre con retrato de caballero del siglo XVIII Italiano ( en el precio no esta incluido este retrato); así se puede ver como queda vestido el marco.

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Esta realizado en papel con lápiz y clarión para el agua, con gran perspectiva y  profundidad. Firmado D. Roberts.

David Roberts pintaba rincones que veía, alterando escalas y sumando vegetación y demás elementos que dieran un toque románico y pintoresco a lugares ya de por si fantásticos

En vida sus obras fueron muy estimadas y cotizadas para pasar de moda posteriormente. Actualmente ha vuelto a recobrar interés y valor en el mercado del arte gracias al coleccionismo de los piases árabes.

David Roberts (Stockbridge, Edimburgo, 1796-Londres, 1864). Pintor y escenógrafo británico. Empezó como aprendiz de pintor de brocha gorda y con veinte años ya estaba trabajando en el teatro como diseñador de decorados. A partir de 1822 se instaló en Londres y colaboró con Clarkson Stanfield haciendo dioramas y panoramas para el Drury Lane Theatre. En 1826 expuso por primera vez en la ­Royal Academy, de la que sería elegido académico en 1841. Paradigma del paisajismo romántico, realizó numerosos viajes y alcanzó la fama haciendo vistas pintorescas y arquitecturas de los distintos lugares que visitó, encontrando en el oriente próximo su mayor fuente de inspiración. De 1832 a 1833 viajó por España, y visitó Marruecos y Tánger. A su regreso a Londres dio a conocer sus acuarelas, las publicó en forma de grabados y litografías con el nombre de Picturesque Sketches in Spain During the Years 1832 y 1833, y consiguió mucha popularidad entre un público que apreciaba cada vez más lo exótico. Fue uno de los primeros artistas que viajaron al próximo oriente, atraído por los lugares bíblicos. Recorrió Palestina, Egipto, Jordania y Siria. Asimismo, conoció Europa visitando Bélgica, Holanda, Francia, Italia y Austria. La experiencia adquirida como escenógrafo se percibe en la destreza de sus dibujos de viajes, en los cuales plasmó las proporciones de los monumentos, ciudades y desiertos que visitó. Además, realizó bocetos de escenas costumbristas de la vida local. Roberts conseguía unas composiciones muy efectistas gracias a los peculiares puntos de vista que adoptaba, al dominio de la luz y al uso de fuertes colores. En sus últimos años se dedicó a hacer vistas del Támesis.

El Museo del Prado posee cuatro pinturas de Roberts: La Torre del Oro (1833), Castillo de Alcalá de Guadaíra (hacia 1833), Interior de la mezquita de Córdoba (1838) y Capilla del Condestable (1855)

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Se representa de busto y, de frente con la cabeza ladeada mirando a la derecha, peinado recogido según la moda de la primera mitad del siglo XX, vestido escotado con tela muy vaporosa de tules, se la retrata sin adornos ni joyas, sobria y elegante, sobre un fondo claro.

Se trata de hacer un retrato lo mas natural y real posible para ello el pintor ha captado la dulzura, juventud y, belleza de la joven a través de una mirada perdida y tranquila con un rostro sereno. Esto lo consigue a través de las transparencias con pincelas amplias para la ropa y cabello, para las carnaciones aplica el color por medio de puntos repetitivos que unifican el color.  Utiliza colores claros, blancos, integrando a la retratada sobre el mismo fondo como una nube envolvente, entrando en la estético de la década de 1920.

El retrato responde a los encargados para enviar o regalar a los pretendientes y lo llevasen consigo colgado o prendido del traje.

Es un retrato femenino realizado al gouache sobre marfil, que se prepara en láminas muy finas, pulidas y,  dándolas cierta rugosidad para poder dibujar y pintar sobre ellas; los colores empleados son variados para los encarnados, negros, blancos y rosa, aplicados con repetidos y sutiles puntos, reservando también el blanco de la superficie, logrando un perfecto acabado, ya que el punteado ayuda a la unión de los colores.

La técnica pictórica para la realización de estos retratos en miniatura era muy concreta y exquisita, el llamado Punteado. Éste consistía en aplicar los pigmentos mediante la superposición de puntos de color en las zonas de la carne y realizar el resto de la obra a base de transparencias y veladuras. Las primeras capas del color se disponían en superficies largas y libres, con un color líquido que creaba el fondo para una pintura más precisa. Para conseguir fondos y vestidos, el artista aplicaba al principio una capa amplia y la igualaba con una estructura hecha de trazos y pequeños puntos, que permitía crear los detalles y los efectos de sombreado. Del mismo modo, el modelado del rostro comenzaba por la aplicación de una base de color transparente. Es en las encarnaciones donde la técnica del Punteado ó pointellé consistente en la creación de un juego de yuxtaposición y de fusión de los colores a partir de la unión de puntos, alcanza su máxima expresión. En líneas generales podríamos decir que en las obras de mayor calidad, este punteado no se aprecia a simple vista. Estos retratos, destinados a un uso más íntimo, tenían que cumplir mayor reconocimiento de los rasgos del retratado, se exigía un mayor parecido, no exento tampoco de idealización o mejora.

Shreve & Company es una empresa minorista de joyería establecida, desde relojes hasta diamantes, con sede en San Francisco , California . Fundada en 1894 por George Rodman y Albert J. Lewis, se considera el establecimiento comercial más antiguo de San Francisco. En la década de 1880, The Shreve Jewelry Company era considerada una de las mejores platerías de los Estados Unidos y vendía relojes de alta calidad, joyas de oro y plata, además de diamantes y piedras preciosas.  Obras de esta joyería tienen en Museo de Young, Museo y Sociedad Histórica de San Francisco Museo de Oakland de California, Sociedad Histórica de California 

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Se representa a dos damas, posiblemente familiares (madre e hija?), en formato ovalado, sobre fondo de paisaje imaginario; de busto, pose en perfil con mirada clara al frente y rostro serenos; elegantemente vestidas, vestidos escotados de gasas y tules con adornos de perlitas, pelo recogido a la moda de la época, contraste entre ellas, la señora mas adulta enjoyada con diadema, collar, broche, pendientes y cadena sobre el hombro de diamantes y, la otra más joven con una austeridad suprema carente de cualquier joya para adornar.

Son retratos realista pintados con mucha minuciosidad, elegantes, con pincelada corta y trasparente.

Marco de bronce dorado con argolla para colgar.

Carl Siegfried Wiltschek fue un conocido retratista y comerciante de arte; también pintó muchas miniaturas, generalmente sobre una base fotográfica tenue, como era común en los Estados Unidos de principios del siglo XX. trabajó en Nueva York a principios del siglo XX.

Los retratos de Wiltschek de James B. Duke y Benjamin Newton Duke cuelgan en la Biblioteca Lilly de la Universidad de Duke, son obras suyas.

Hay poca información en los libros de referencia sobre el artista, aunque hay una referencia a un artista lisiado de la década de 1930 llamado Charles Wiltschek que se cree que es la misma persona, posiblemente con el nombre completo Charles Sigfried Wiltschek. En su tarjeta de registro de reclutamiento de la Primera Guerra Mundial, Sigfried Wiltschek declaró que tenía «una pierna más corta que la otra» y se describió a sí mismo como comerciante de arte. Sigfried Wiltschek vivió en Nueva York en 1920 con su esposa Mollie, sus dos hermanas, Violet y Jospehine, y su hermano, William. Sigfried se describió a sí mismo como artista en los registros del censo de 1920. Nació en Austria el 5 de agosto de 1876 y llegó a los Estados Unidos en 1898, donde se naturalizó en 1907. C. S. Wiltschek pintó varios retratos de la familia Duke (como en la Universidad Duke) que cuelgan en la Biblioteca Lilly de la universidad. 990

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La representa con mirada al frente y despierta, rostro muy natural, con sombreado  en barbilla para puntualizar que lleva sangre pura, este tipo de retrato responde a los encargados para enviar o regalar a los pretendientes. Gran calidad del dibujo, pincelada larga.

La estética es de estilo fernandino español (Imperio) de principio del Siglo XIX con joyas italianas.

Marco de madera con orla interior, oval, en bronce dorado con decoración de hojas de acanto.

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Hay diferentes calidades en los gouaches napolitanos, estamos ante una calidad suntuosa. Muy finos, ejecutados con gran precisión y gran delicadeza, en tonos pastel con predominio de los tonos azules, característicos de este tipo de pintura. La fricción y el desgaste se hace notar en uno de ellos el otro esta perfecto.

Los gouaches napolitanos despertaron el interés de los turistas en los siglos XVIII y XIX, deseosos de volver a casa con imágenes y recuerdos de su viaje. El gouache ha seguido siendo una prerrogativa de Nápoles, una de las ciudades más importantes de Europa bajo los Borbones y que estaba obligatoriamente incluida en el itinerario del Gran Tour de Italia, un viaje complementario a los estudios realizados por todos los europeos distinguidos. Anónimas la mayoría de las veces y en pequeños formatos para facilitar su transporte, estas obras llamadas menores y realizadas a mano han hecho las delicias de generaciones de turistas. El Vesubio de día o de noche, la erupción y la bahía de Nápoles son los temas más frecuentes. Muchos pintores se han dedicado a este género pictórico. La producción de gouaches napolitanos durará más de un siglo, hasta la aparición de nuevas técnicas como la reproducción de grabados, a partir de 1840, y la fotografía.

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La obra original es de Nicolas Poussin, famoso pintor francés que destacó por introducir un estilo nuevo más clasicista, nacida del conocimiento de la antigüedad clásica y de una profunda observación de la naturaleza. Se dedico a escenas mitológicas, alegóricas, históricas y ampliamente al paisaje, unas veces como fondo de sus composiciones y otras como verdadero protagonista. Poussin es el prototipo de artista filósofo, preocupado por la expresión del su arte, al que dotó de un sobrio contenido moral; simbolizando una acción humana que trasmite un mensaje, en esta obra hace referencia a su frase «este niño  es más vivo que yo» al no necesitar una vasija para beber agua.

Este cuadro ha sido reproducido en grabados y por famosos pintores como Samuel Morse expuesto en la galería del Louvre.

La obra que poseemos esta firmada en rojo en el ángulo inferior derecho «»d´apres N Poussin / F.X. Fabre ff». Artista expuesto en Museos como el del Prado «Retrato de los Reyes de Etruria», Getty Museum de Los Angeles, Uffizi Gallery, y colecciones particulares.

Francois Xavier Febre (Montpellier, 1766-1837). Pintor y grabador francés. Se formó en la Escuela de Dibujo de Montpellier con Jean Cousteau, y en 1783 entró en el taller de Jacques-Louis David y en la Escuela de la Real Academia de Bellas Artes de París. En 1787 ganó el gran premio de Roma, pasando allí los cuatro años siguientes como pensionado de la Academia de Francia. Ante las tensiones políticas de Roma, en 1793 se trasladó a Florencia, donde gracias a su amistad con el poeta Vittorio Alfieri y a la amante de éste, la condesa de Albania, se introdujo en la vida social y artística florentina, donde trabajó para las figuras más relevantes de la región. Sobrevivió a los vaivenes políticos de la época y consiguió adaptarse a los cambios de clientes y gustos. Tras la invasión francesa de la Toscana, retomó los contactos con Francia, de los que se conserva mucha de su correspondencia con otros artistas compatriotas. Autor heterogéneo en los temas, rea­lizó pinturas de historia, de mitología, de religión, así como paisajes y retratos, género este último que practicó fundamentalmente a partir de la entrada del nuevo siglo. Además, fue un gran coleccionista de arte y grabador. En 1825, tras la muerte de la condesa de Albania, regresó a Montpellier, donando su colección al museo de la ciudad -del que fue director y que a partir de entonces se denominó Musée Fabre- e impulsó la creación de la nueva Escuela de Bellas Artes y de una biblioteca. Su estilo combina las influencias del clasicismo de Poussin -presente en sus composiciones y en el tratamiento dramático de sus obras- y el neoclasicismo estricto de David, que se aprecia en la definición de los contornos y el uso expresivo de la luz, que destaca a los protagonistas iluminándolos sobre el fondo oscuro.

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Se representa a Cupido y las tres Gracias en un paisaje enmarcado por árboles a cada lado, composición centrada de las tres gracias formando un circulo, dando movimiento a la escena, al encontrarse cada figura en diferentes posiciones; túnicas cubriendo partes del cuerpo, dejando al descubierto la zona del pecho (normalmente se las representa de pie, desnudas con un paño al vuelo), cabello recogido, portan flecha con el carcaj y esenciero de perfumes; cupido, a un lado, como niño alado jugando con las fechas y el carcaj, atrae la atención de las Gracias giradas hacia él. El color homogéneo, destacando el contraste de las túnicas y paños con nuevos colores (dorado, blanco, azul, rojo anaranjado).

El espejo trumeau, es un espejo de pared, originario de Francia en el siglo XVIII, su nombre se debe a la palabra francesa trumeau que designa el espacio entre ventanas.

Los espejos Trumeau estaban destinados originalmente para colgar en una pared entre ventanas, funcionado como elemento decorativo y aumentando la luminosidad de la habitación al reflejar la luz del sol. La mayoría de los espejos trumeau antiguos están muy adornados al gusto de la época y con frecuencia tienen un marco dorado.

El espejo es casi siempre rectangular y a veces incluye una parte decorativa en la parte superior. Los diseñados para ser colocados encima de una chimenea podían tener velas delante del espejo para aumentar luz ambiental.

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